Lincoln

Lincoln de Spielberg é um filme diferente. É preciso estar preparado. Para apreciar é necessário despreocupar-se em querer um filme-espetáculo, com muito movimento e cenas de batalha. De fato a única cena de batalha acontece no início. Mas aguarde, tudo é uma verdadeira obra de arte. Como se você estivesse observando diversas composições de histórias em quadrinhos, que mostram cenas e atores vistos de diversos ângulos, tudo em belíssimas sequências. Afinal o que interessa nesse filme é a fala, o discurso, e o diretor utiliza recursos diferentes para trazer esta fala ao espectador. Cor, iluminação e composição lembram Rembrant, principalmente quando grupos de políticos se reúnem tramando,  intrigando e confabulando a votação da décima terceira emenda que abolirá a escravatura no Estados Unidos.  Ou ainda quando o Lincoln morto com todos a seu redor lembra a aula de anatomia, no quadro de Rembrant "A lição de anatomia do Dr. Nicolaes Tulp". 

A atuação de Daniel Day Lewis como o presidente, certamente é um marco em sua carreira. A personificação de Lincoln é absolutamente perfeita. Pergunto-me se o ator assistiu a  algum filme sobre Lincoln para recriar não apenas a figura, mas os gestos e o caminhar já cansado do grande estadista. Filme ele nunca deve ter visto, pois Lincoln é de 1865 e o cinema foi criado em 1895 pelo irmãos Lumière. É criação mesmo do genial Spielberg e de seu dramaturgo Tony Kuschner. Provavelmente vem de Kuschner a introdução da linguagem semelhante a do teatro. Há uma cena exemplar: Lincoln está sentado na sala do correio para enviar um telegrama. Dois funcionários estão sentados à sua frente, inclinados para trás e voltados para o presidente. Por alguns demorados segundos os dois permanecem imóveis, como num teatro, olhando para Lincoln, até o momento em que o presidente inicia sua fala, como no teatro.  Tudo isso é obra de gênio.

A história trata da segunda fase do governo de Lincoln, em que ele se prepara para aprovar a décima terceira emenda à Constituição dos Estados Unidos, que acaba com a escravidão.

Entre os atores coadjuvantes fico com Tommy Lee Jones, interpretando o republicano Thadeus Stevens. Quando ele discursa na assembléia argumentando com sarcasmo que votava pela igualdade perante a lei, não pela igualdade racial é absolutamente magnífico! Stevens responde à interpelação de Fernando Wood (Lee Pace), seu oponente. Assombra e surpreende o espectador com a dureza e sarcasmo de seu discurso: "Até vocês imprestáveis e indignos devem ser tratados conforme a lei." O discurso é um dos pontos altos do filme. Spielberg permite que muitos brilhem não apenas o santo Lincoln.

Como esposa do presidente, Mary Todd Lincoln (Sally Field) é uma mulher insistente, mal humorada e instável. Até Lincoln perde a paciência com ela, quando a mulher se comporta como se somente ela tivesse sofrido com a morte do filho.
Outro ator que se destaca é Michael Stuhlbarg, fazendo o democrata George Yeman, que muda seu voto e apoia Lincoln. A emoção e a figura de Yeman ao pronunciar o "sim" são  hilários! 

Enfim Lincoln mostra o grande líder dos americanos que conquistou todo um eleitorado com seu discurso de Gettyburg. Em dois minutos o presidente pronunciou as palavras mais bonitas e mais comoventes que foram capazes de mudar a história :

 "Há 87 anos, os nossos pais deram origem neste continente a uma nova Nação, concebida na Liberdade e consagrada ao princípio de que todos os homens nascem iguais....Antes, cumpre-nos a nós os presentes, dedicarmo-nos à importante tarefa que temos pela frente- que estes mortos veneráveis nos inspirem maior devoção à causa pela qual deram a última transbordante devoção- que todos nós aqui presentes solenemente admitamos que este homens náo morreram em váo, que esta Nação com a graça de Deus venha gerar uma nova Liberdade, e que o governo do povo, pelo povo e para o povo jamais desaparecerá da face da terra.''

 

A Viagem ( Cloud Atlas)

A Viagem é um filme dos irmãos Andy e Lana Wachowski os diretores de Matrix e Tom Tykwer, o diretor de Corra Lola, corra. Na realidade é preciso prestar muita atenção, ter boa memória e não dar o mínimo para seu o déficit de atenção; senão você não vai entender bulhufas de A Viagem. E tem mais você deve ter uma boa memória visual , caso contrário não vai perceber que Susan Sarandon faz quatro papéis no filme e que colocou facetas nos dentes. O sorriso melhorou muito - graças a Deus-, eu não aguentava mais ver aqueles dentes serrados. Se você ficar atento vai perceber que muitos dos atores vivem diversas vidas dentro do filme. Lá pelas tantas você tentará descobrir se o personagem que você está vendo já apareceu em outras vidas, em uma espécie de Procure o Wally: Tom Hanks, Halle Berry, James D'Arcy, Jim Broadbent e Donna Bae vão e vêm. A Viagem tem sentido filosófico, espírita e religioso. Como o filme custa a desenrolar, os diretores propõem indagações: São seis histórias, uma das primeiras é: "Até que ponto nós temos o direito de interferir na natureza, se Deus criou o mundo a sua imagem e semelhança? Outra questão transcendental incomoda a jornalista Halle Berry ao investigar um empresário inescrupuloso (Hugh Grant) em negócios escusos envolvendo energia nuclear:"De que maneira o que fazemos em nossas vidas contribui para o equilíbrio das coisas?" . Não importa a ordem das histórias. Tudo avança e recua em feed back que se perde no tempo. No século XIX, Tom Hanks aparece como Henry Goose, um médico assassino que tenta envenenar Adam Ewing (Jim Sturgees), porque este salva o escravo Autua (David Gyasi). É uma bela história de grandeza, coragem e agradecimento. Em enredos ambientados no futuro, Sonmi-451 é um clone interpretado pela belíssima Donna Bae. O clone é uma mulher que desperta para o mistério da vida. Sonmi descobre que os clones são alimentados pelos próprios corpos. Os irmãos Wachowski fazem uma citação a Soilent Green, filme de Richard Fleicher, com Charlton Heston. Corpos humanos eram a matéria de Soilent Green, o alimento da humanidade. A questão do ser ou não ser, da profundidade da vida e da existência perturba Sonmi, que passa a ser venerada por Zachry (Tom Hanks). O que parece ser o final dos tempos, mostra Zachry em vida primitiva tentando salvar sua família das tribos bárbaras. Como se entrasse em outra dimensão, Zachry mantém contato com Meronym (Halle Berry), que viaja em nave espacial e faz parte de um grupo evoluído, os Prescients. O tema da homossexualidade está presente na história do idoso compositor Vyvyan Ars (Jim Broadbent) que contrata o jovem Robert Frobisher ( Ben Whishaw) - também compositor - para ser seu escrevente. Frobischer tinha um caso com um jovem (James D’Arcy), que virá 30 anos mais tarde como Sixmith (James D’Arcy), o homem que revela para a jornalista Luisa Rey ( Halle Berry) as falhas no projeto de reator nuclear que poderão prejudicar a humanidade. A diversão só fica garantida com a história do editor Timothy Cavendish, vivido pelo mesmo Jim Broadbent, que mata seu detrator, um crítico de arte, e vira uma celebridade em minutos! Depois, o mesmo Jim Brodbent é um idoso internado contra sua vontade. O idoso apronta quando decide fugir do asilo que tinha o mesmo D’Arcy como a enfermeira durona! Pode? A idéia lembra a rede de neurônios que temos em nosso cérebro cujas sinapses formam os pensamentos. Assim os diretores lembram em diversos momentos do filme que nossas vidas não são nossas. Desde o nascimento até a morte estamos ligados a outras pessoas. De cada crime e de cada gesto nasce o nosso futuro. O enredo forma um emaranhado de vidas e pode lembrar os estudos de Lewis Morgan. Em a Sociedade Primitiva, Morgan afirma que a humanidade evoluiu a partir de germens de pensamento humano, que remontam a tempos primitivos. Estes pensamentos foram concebidos durante o período selvagem. A lógica do espírito humano permitiu ao homem desenvolver 'o pensamento" que adquiriu resultados uniformes, coerentes e claramente distinguíveis. O estágio de progresso e de desenvolvimento humano foi o mesmo, independente de estágios ou continentes distintos da civilização. O gênero humano teve uma unidade de origem e seu espírito e destino foram influenciados pelo governo, família linguagem, religião e propriedade. Dentro dessa idéia, A Viagem ou 2001 uma Odisséia no espaço mostram que a humanidade atinge um estágio de desenvolvimento do espírito e avança para um estágio superior. Em A Viagem está presente a idéia espiritualista do Karma. O homem volta em muitas vidas. Para cada ação do indivíduo boa ou má haverá uma relação, que terá consequências boas ou más no futuro. Para toda ação existe uma reação de forma equivalente em sentido contrário e toda a humanidade está conectada como a rede de neurônios de nossos pensamentos que nos projetam para o futuro e para o aperfeiçoamento do espírito humano.

 

Amour

Quando você vê o cartaz do filme pela primeira vez, sabe que não pode deixar de assistí-lo. Ainda mais quando estão presentes Emmanuelle Riva e Jean-Louis Trintignant. Ambos eram famosos nos anos 60, agora envelheceram. Isso a gente admite na nossa vida de comuns mortais. Mas os mitos - em nossa imaginação - não podem envelhecer. E nos projetamos nos dois idosos e sofremos. Percebemos que sofremos por nós, não por eles. Você sabe, não será fácil assistir a Amour. Óbvio, é muito mais sofrido e doloroso que Django Livre. Você se atreveria a dizer que é mais violento? Concordo, ninguém nunca está preparado para a morte de familiares ou para a própria.

Michael Haneke não sei porque resolveu tratar de um tema tão difícil e delicado. Quem assiste, pensa no sofrimento, na forma como terá que enfrentar a própria morte ou de seus familiares. Ou se já passou por isso, se pergunta se fez certo ou errado... Enfim, tudo é passado ou futuro incerto... De fato, isso não deve nos preocupar - é o que fala a minha irmã gêmea. Afinal, depositemos nosso corpinho e espírito na mão direita de Deus. Ele deve ter melhores planos para nós.

Amour não fala exatamente de amor. Mas de como Georges (Jean-Louis Trintignant) e Anne (Emmanuelle Riva) enfrentam o fim de seus dias. Anne e Georges são um casal de idosos intelectuais, ligados à música. Mesmo assim, é possível notar que vivem sós. Uma ida ao concerto do ex-aluno Alexandre, uma visita do próprio. Tudo muito formal e desprovido de emoções. Eles são franceses e contidos. É assim mesmo. Tudo se complica quando Anne fica doente. O problema se agrava quando a cirurgia nas carótidas não tem bons resultados e Anne tem um AVC? Fica paralisada no lado direito do corpo. Com dificuldades para se movimentar, caminhar, falar e cuidar de si mesma.

O filme mostra a adaptação do casal à nova situação. Anne não se conforma com a doença. Faz o marido prometer que nunca mais a levará ao hospital. Nega-se a seguir um tratamento médico especializado. Nessa hora o ser humano atinge o limite. A solidariedade familiar se esfacela. A filha, interpretada por Isabelle Hupert é um ser tão distante quanto um estranho qualquer, mais preocupada com o destino dos bens da família...
Georges faz o que pode para cuidar pessoalmente da mulher. No poucos momentos de lucidez Anne poderia ter percebido que era demais pedir ao marido para responsabilizar-se por tudo. Ele não consegue ajudá-la a enfrentar o difícil processo final, muito menos adaptar-se a um problema crescente. O que choca o espectador, não é processo da doença irreversível, que leva o  ente querido, mas a forma como o personagem decide o final do Amour. 
No ato de Georges não existe amor. Ingmar Bergman em Gritos e Susurros mostra o amor muito mais que Hanaka. Mesmo assim as personagens de Bergman ao enfrentarem a doença, também sentem um misto de amor-ódio. A cumplicidade e o amor são substituídos por sentimentos de difícil compreensão, tão contraditórios que deixam Georges perplexo e perdido. 
A idéia chocante em  Amour é que Georges em ato de indulgência consigo mesmo, poderia pensar ou dizer que transgrediu em nome do Amour. Chocante é ter decidido o final de uma vida sem o seu consentimento. Chocante é o ódio que se dirige contra o outro. Chocante é assistir à incapacidade de redenção do personagem, vê-lo cometer a transgressão maior, em delito irreversível. Georges ainda poderia ter revertido o ódio contra si mesmo... , como parece insinuar esta história terrível que pode tirar o sono de cada um de nós. Ou causar uma depressãozinha no espectador, que poderá ficar deitado, o dia seguinte inteiro sem forças, pensando na morte...

Na sequência final, a filha, perplexa, custa a entender que o vazio de sua própria existência precedia o vazio maior que sentia ao enfrentar aquela casa vazia e gasta pelo tempo.
No momento em que a pomba entra no apartamento, Georges metaforicamente, em espécie de alegoria da morte,  fecha as janelas e recria a situação da vítima e seu algoz. Em ritual macabro, encerra-se com a ave num ambiente fechado. A pomba é a vítima sem escolha que apenas tem como opção, a morte. Como Anne, a ave tem a cabeça encoberta por um pano. Georges chega a afirmar que não matou-a. Não acredite, naquele momento tratava-se de ódio e de morte. Muito diferente de casas com  janelas abertas que podem acolher pássaros, lugares de bons ares onde eles estão livres para entrar e sair. Enfim é de amor e miséria que trata o difícil filme de Michael Hanaka que ganhou a Palma de Ouro em Cannes em 2012 e concorre ao Oscar de Melhor Filme Estrangeiro em 2013.
 

Django Livre

Quentin Tarantino se transformou em um dos mais geniais e surpreendentes diretores da atualidade. Django Livre é absolutamente soberbo. Que nem Hitckcock, Tarantino se dá ao luxo de fazer uma ponta em seu filme. Faz a história dos vencidos na contra mão da história. A gente sabe que tudo é imaginação, mas é essa criatividade que deixa o espectador boquiaberto e de coração na mão. Desde Bastardos Inglórios as vítimas deixam de ser vítimas e assumem a responsabilidade sobre seus próprios destinos. Django (Jamie Fox) assume as rédeas da própria vida em parceria com o alemão King Schultz, interpretado por Christoph Waltz. Transforma-se em escravo liberto, quando Schultz o arranca da fila da indignidade, em que caminha acorrentado. A degradação do escravo é filmada através de seus pés acorrentados e cambaleantes que ao espectador parecem patas de cavalo. A maneira de filmar é surpreendente. Tarantino alterna cenas de extrema violência, com outras que são pura poesia, como quando, depois da sangueira, o grupo se desloca por paisagens campestres belíssimas, douradas pela luz. Ou quando após as cenas de violência, o sangue do bandoleiro atingido jorra como chafariz e se deposita em milhões de pontos vermelhos sobre a plantação de flores brancas. É essa alternância de violência e poesia que mexe com nossas emoções.

Christoph Waltz faz o alemão caçador de recompensas. Ele tem direito a matar assassinos, e encontra em Django o companheiro ideal para identificar malfeitores cuja cabeça está a prêmio. O estilo Tarantino se mostra na forma como Schultz vê o mundo e a vida. É diferente dos escravagistas sulistas. Confere dignidade a Django e aconselha os americanos preconceituosos a tratarem-no com respeito. Christoph Waltz nos permite uma compreensão mais linear de seu personagem. Se em Bastardos Inglórios ele confundia o espectador com seu cinismo e frieza, aqui o alemão deixa mais clara a sua posição e os limites de sua tolerância. É contra a escravidão e não aprova as atrocidades engendradas na fazenda de Candie, o fazendeiro torturador interpretado por Leonardo Di Caprio. Porém, na verdade é um assassino frio e fleugmático, que encontra em Django o seu grande pupilo. Aliás Schultz termina se entregando à causa de Django, que é recuperar sua esposa Brunhilde (Kerry Washington) , escravizada e brutalmente castigada, na fazenda de Candie. Schultz tem seus momentos de brilho quando toma decisões heróicas. Dá tiros rápidos e certeiros. Tão rápidos e surpreendentes que a vítima não acredita que foi alvejada! O filme se passa como num movimento de desafio entre os personagens. Para ver afinal, quem é o mais esperto e vencedor? Samuel Jackson como o cão de guarda de Candie ou o Dragão da lenda alemã, mantém Brinhilde encarcerada, parece um iguana. Por isso o espectador sabe que não existe trégua nos filmes de Tarantino, sempre vem mecha!

Django com D mudo é um personagem genial. O sonho de libertar Brunhilde move sua vida. As múltiplas visões da musa, rindo, belíssima num vestido amarelo, moda Império, o perseguem como se estivesse sob efeito de alguma droga. O clima de sangue e violência diverte o espectador. Em dois momentos nos deixa gelados e com muito frio de tanta emoção. Impossível suportar a brutalidade da luta de morte entre os dois escravos ou quando o escravo é devorado pelos cães. Pior mesmo é ver o sádico Candie em cima dos dois lutadores, vibrando quando um arranca os olhos do outro! Dá-lhe Tarantino! Que loucura!

O alemão Schultz dá aulas a Django de como matar com frieza. Quando o ex-escravo exagera na mesa de jantar de Candie, Schultz o alerta. Django responde, que para viver no mundo de Schultz e dos americanos escravagistas é preciso sujar as mãos de sangue e ele está fazento justamente isso!

A reviravolta final é uma pancadaria digna dos faroestes italianos, de Corbucci a Sérgio Leone. Paralelamente pode-se ouvir Enio Morricone e até Bethoven! Django poderia chamar-se Django-Phoenix-Apolo Grego. As cenas de violência e tiroteio lavam a alma da platéia. Os espectadores riem felizes, quando o mitológico herói dispara suas armas e tiros certeiros em verdadeiro banho de sangue, como se tudo fosse parte de uma apresentação teatral de dança e malabarismo, que culmina com o herói e seu cavalo, levantando as patas com elegância incomparável dando o verdadeiro adeus do cowboy Django-Deus Negro!
 

 

 

Tudo o que Desejamos

Philippe Lioret depois de dirigir Bem-Vindo volta com outro filme com personagens conscientes e preocupados em salvar o mundo. No primeiro eram os franceses que desejavam ajudar imigrantes ilegais, mesmo que pudessem sofrer penalidades. Agora, Tudo o que desejamos são dois juízes, Stéphane e Claire (Marie Gillain), que desejam ajudar consumidores, defendendo-os contra a ganância de financeiras.
Claire vive em paz com marido e dois filhos, até que recebe a notícia que está com uma doença terminal. Julga o caso de uma imigrante endividada, que precisa fazer novos empréstimos para saldar dívidas cujos juros abusivos aumentam como bola de neve.
Na verdade, financeiras existem para financiar desejos de consumidores - que por vezes podem ser desnecessários - mas movimentam imensos mercados. Se financeiras permitem a realização de desejos, transformam num inferno a vida de inadimplentes. Juízes existem para colocar ordem nesse estado de coisas.
Claire descobre que está eticamente impedida de defender interesses particulares de envolvidos nos casos sob seu julgamento. Entrega o problema para um especialista, Stéphane, interpretado por Vincent Lindon. Neste filme, mais que nunca o ator corresponde ao que minha irmã gêmea fala: Ele é Tudo o que desejamos, é o homem que toda mulher gostaria de ter dentro de casa. He! he! he! Stéphane descobre o furo, os dois podem envolver-se em casos que prejudiquem o mercado financeiro europeu como um todo, e a questão se transforma em caso de concorrência desleal.
O erro da juíza é misturar tudo, levar o mendigo para dentro de casa, que nem no filme Viridiana,  de Bunuel, quando os mendigos recriam a Santa Ceia. Óbvio, o sentido é outro. Bunuel desejava afrontar a ditadura franquista e a Igreja, Claire deseja colocar ordem em sua vida pessoal, prepara a imigrante para ser sua substituta como mãe e esposa.

Por outro lado sua parceira com Vincent Lindon transforma-se numa cumplicidade maior que a de simples colegas de trabalho. O envolvimento e a atração entre os dois é inevitável. Sem conseguirem evitar, deixam de lado marido e filhos de um e esposa do outro... Juntos vivem escassos momentos de felicidade. Se na vida importa a intensidade de nossas vivências, esses  raros momentos valeram a pena.

O grande problema da personagem é não possuir o menor instinto de sobrevivência ou de preservação. Acreditou mais na morte do que no milagre da vida. Seus dias terminaram como previra, dentro da ordem que criara para si mesma e para os outros.
 

Celeste e Jesse para sempre

Lee Toland Krieger faz um filme sobre um tema conhecido demais, demais... Para dizer a verdade são raros os casais que não passaram por uma grande crise. Mais raros ainda os que não se separaram. No filme tudo parece se encaminhar para fugir à regra. Ou seja, o casal Jesse e Celeste parecem feitos um para o outro. Problemas e diferenças , - ou que mesmo? - terminam provocando a separação. Quem não passou por isso me fale, por favor, se não, vou pensar que é um marciano! Obstáculos e dificuldades são vistos sob o ponto de vista de Celeste. Jesse aparece como um marido simpático e óbvio, apaixonado pela ex-mulher. Aí, cada criatura que está assistindo ao filme pensa em seu próprio caso...  se teria feito a coisa certa... Lembra os próprios problemas... se recrimina ou ainda deseja matar o ex!
Jesse e Celeste se entendiam tão bem que não entendo porque se separaram... Ah! Ela tinha sucesso profissional, ele estava desempregado e precisava amadurecer. Isso não é motivo suficiente... Os espectadores saíram frustrados porque esse era o único caso em que voltar valeria à pena. Especialistas  dizem de boca cheia, que está provado estatisticamente que voltar com o ex não dá certo. Não para Celeste e Jesse.
A outra, o motivo do não retorno, estava grávida. Reatar com ela foi uma solução cretina de última hora. Jesse não soube avaliar as consequência de seu não. Nem sempre um filho une um casal. Celeste demonstrou para si mesma e para Jesse, que ele era o homem de sua vida. Porque ele não acreditou? Eis aí o verdadeiro drama, o inacreditável, e que não fugiu à regra de especialistas, advogados e  psicólogos. Mas para nós espectadores, o final deveria ser outro!
 

Detona Ralph

A atração para você assistir ao filme de Rich Moore é o contraste entre a figura de Detona Ralph (dublado por John O. Reilly na versão original), um personagem de videogame que se apresenta como vilão, um cara enorme, verdadeiro brutamontes e o desenho da garotinha Vanellope von Schweetz (Sarah Silverman). Você notou que nos desenhos animados as garotinhas mais bonitas são morenas com rabinho de cavalo, carinhas orientais ou possuem longos cabelos tipo Pocahontas?  

Vanellope é irresistível, pequena e endiabrada, em contraste com o seu problemático  amigo Detona. Se você está na faixa dos 30, deve lembrar do início dos anos 90, daqueles videogames que sua mãe comprava e que atraíam até meninos (chatinhos) de outros países!!! (ele era indiano, libanês ou ???), que batiam na porta de seu apart-hotel para jogar?

Pois Detona estava programado para destruir, cansou de ser tratado como vilão sem nenhuma regalia, sem festa, sem homenagem e sem bolo. Em comparação Felix, o martelinho de ouro consertava tudo onde tocava. Detona quer dar um basta nessa vida de vilão. Mas quando consegue a sonhada Medalha de Ouro que vai mudar sua vida, ela é roubada pela danadinha da Vanellope.

Ralph consegue fugir pelo cabo de alimentação e entra no jogo Missão de Herói para ajudar a alta-loura-depressiva - cujo noivo foi assassinado pelos invasores na hora do casamento -, com aquele corte de cabelo assimétrico que enlouquece os homens nos desenhos animados. A loura era a própria delegada que faz sucesso no Brasil. Com uma metralhadora na mão detonava os insetrônicos, invasores alienígenas do jogo. Imagino que os vírus que destruíram meus arquivos - trabalho de muitos e muitos anos - são iguais aos insetrônicos.

Detona Ralph em sua nova fase de bonzinho, embora deseje continuar sendo mau, ajuda Vanellope a aprender a dirigir um carro e entrar na Corrida Doce. É que o rei-vilão da história tinha sequestrado as memórias dos personagens, que não sabiam mais quem eram.

E aqui na terra tem gente cuja memória foi sequestrada - por quem?- e está chaveada numa maleta, girando no espaço sideral, que nem no filme. Quando esquecem alguma coisa falam: "Não conseguirei lembrar nem que me coloquem preso(a) num quarto escuro!"He! he, he!

Confusão não é? Mas o mundo dos videogames é outra coisa! É assim mesmo!  

Vanellope era um "bug", era uma falha no sistema e não podia sair do seu jogo. Assim, o rei-vilão faz de tudo para que ela perca  a corrida. Pois se ganhasse, deixaria de ser um "bug" e o jogo recomeçaria.

A ordem é restabelecida somente quando Vanellope ganha a corrida e seu mundinho volta a funcionar. Todos voltam a lembrar que eram no final das contas. E Detona Ralph apesar de querer ser o herói bonzinho ainda canta:

"Nunca serei bom

E isso não é mau

Não quero ser ninguém

Além de mim!" 

É bom que uma vez o anti-herói seja o verdadeiro herói não é mesmo?

 

 

 

E agora onde vamos? (Et maintenant on va où?)

Nadine Labaki é uma diretora libanesa de 39 anos. Além de atriz belíssima, é brilhante. Seu primeiro filme foi um sucesso. Você lembra de Caramelo? Escrevi sobre ele no dia 9 de julho de 2009. Nadine retrata o universo feminino com  riqueza e humor sem precedentes. Ela é "a feminista" na verdadeira acepção da palavra. Se Caramelo tratava  do universo feminino em um salão de beleza,  Et  maintenat on va où? trata das diferenças entre católicos e muçulmanos em uma pequena aldeia do Líbano.

Nadine Labaki dirige e é autora do roteiro do filme. Como uma mulher tão jovem e bonita pode assim, sem mais nem menos fugir à regra e ser tão genial? Sua paixão pelo cinema vem de família, a mãe é atriz e o pai é diretor cinematográfico. Durante as rodagens estava grávida. Explica que sua defesa do pacifismo é uma postura própria, como mãe e ser humano. Afirma que não estaria disposta a ver seu filho pegar em armas para matar outras pessoas. Suas personagens  pensam da mesma forma. As mulheres  fazem de tudo para que a aldeia onde vivem não se envolva em questões políticas e conflitos armados.

Et maintenant on va où? inicia mostrando a vida na pequena aldeia, onde o dia a dia transcorre sem maiores problemas. Os atores não são profissionais - isso enriquece o filme - convencem e fazem rir. No meio da comédia, explode o drama, da mesma forma que explodem as minas perdidas sob o solo.

Talvez a diretora não tivesse a intenção, mas em alguns momentos seu filme se aproxima de Fellini. Como Fellini não existe um personagem ou dois centralizando os interesses, a história trata de um grupo de pessoas. As cenas onde aparecem todos  reunidos, ou em peregrinação lembram Fellini, que retratava um mundo insano, sem particularizar  o universo de cada um.  E de repente, aquele neorrealismo italiano  mostrava que, em certos momentos os personagens doudos tinham parte com Deus. Você lembra de Ensaio de Orquestra? Onde os músicos eram mesquinhos e egoístas? De repente, se tornavam divinos e perfeitos quando começavam a tocar seus instrumentos musicais?

Nadine mostra a mãe que manda os filhos vender seus produtos na aldeia, a sua rigidez com os meninos, mostra o bate boca das mulheres fazendo encomendas para a comerciante. Tudo muito natural e cômico. Nada mais adorável que a paquera entre Amale e o pintor, que não termina nunca o seu serviço de pintura, óbvio prefere, se for o caso, desmanchar seu trabalho e começar tudo de novo, desde que esteja perto de Amale ( a própria Nadine Labaki).

Assim em meio ao retrato da vida cotidiana, pobre e mesquinha, explode o drama. Nadine mostra o sofrimento da mãe, o verdadeiro drama quando descobre que seu filho, imóvel na garupa da moto, está morto. Não é uma Pietà de Michelangelo, mas a idéia, a dor da mãe diante do filho morto é a mesma.

A força da mulheres se revela diante da estupidez do universo masculino. Mesmo em países onde elas ainda não conquistaram a liberdade, Nadine mostra que são fortes e capazes de transformar vidas. Impedir que a estupidez e a barbárie tome conta da aldeia. Nem que para isso seja necessário trazer dançarinas ucranianas louras e sensuais, para engabelar os brutamontes. Até o pintor,  romântico e eterno lixador de paredes recebe um pito da divina Amale. Não perca este filme e divirta-se com a esposa do prefeito que tinha uma linha direta com a Virgem Maria! 
 

Paris Manhattan

Sophie Lellouche realiza seu primeiro longa metragem evocando Woody Allen. A comédia Paris Manhattan é uma graça e dá prazer assistir. Da mesma forma que a diretora, a personagem é apaixonada pelo cinema e por Woody Allen. A farmacêutica Alice ( Alice Taglioni) acredita ser capaz de mudar as pessoas receitando-lhes  DVDs. Para cada mal um DVD. Até o ladrão assaltante ganha um DVD de última hora desde que desapareça e desista do assalto. Além de amar muito Woddy Allen, Sophie assimila algumas cenas de seus filmes, que sempre se repetem, causam aquele frisson e são a melhor parte. Você lembra de Woddy Allen e Diane Keaton entrando às escondidas na casa do vizinho, simplesmente porque suspeitam que ele é o assassino de sua mulher, em Misterioso Assassinato em Manhattan? Ou da Poderosa Afrodite quando Woody Allen procura os registros do filho adotivo - sem autorização nenhuma - para descobrir a criança é filha da poderosa afrodite Mira Sorvino? Para mim esses são os melhores filmes de Woody Allen.

Pois bem, Paris-Manhattan repete essas gags divertidas. Alice e Victor (Patrick Bruel)- quase namorados - invadem o apartamento da irmã para saber das infidelidades do cunhado. Sem saber, os pais fazem o mesmo e a invasão vira um encontro familiar. A família - e nós - ficamos pasmos quando descobrimos que o casal "perfeito" fazia um trio com uma prostituta.
Existe uma espécie de voyerismo inocente nos filmes de Woody Allen?  E por tabela, no  filme de Sophie Leloche? É tudo muito engraçado quando as irmãs descobrem que o namorado da sobrinha não era nenhum monstro de mau comportamento e ainda dançava na rua com a garota, que nem Gene Kelly em Cantando na Chuva.  

Woody Allen se dá ao luxo de aparecer distribuindo conselhos ao eterno pretende de Laura, que desejava um verdadeiro amor, mas sempre encontrava milhares de obstáculos. Woody fala: Dê para ela algo que só você seja capaz de fazer. Oh Deus! que romântico! qual e a mulher que não se derrete ? Adivinhe o que é? 

 

O Impossível

 Assistir a filmes que contam histórias verdadeiras é sempre muito difícil. Principalmente quando o tema é uma grande catástrofe. Juan Antonio Bayona dirige O Impossível. Críticas vêm de todos os lados. Alguns criticam e se perguntam porque o filme conta a tragédia de uma família de brancos e esquece os milhares de asiáticos que passaram pelo mesmo problema? Os críticos estariam querendo dizer que o diretor está contando a história oficial dos brancos e vencedores e não a história a contrapelo proposta por Walter Benjamin? Enfim ao que parece nessa tragédia, nessa revolta da natureza não existem vencedores. Todos são perdedores e no máximo sobreviventes. Outros se recriminam por não terem se emocionado como eles próprios acham que deveriam. Ou seja, uma tsunami arrasando vidas e destruindo tudo só poderia causar muitas lágrimas. Difícil entender,  mas sempre há tempo para contar a história dos vencidos.

O filme mostra como uma enorme tsunami destruiu em segundos toda uma região da Tailândia em 2004 deixando milhares de mortos. E certamente tem tudo a ver com o desequilíbrio ambiental. Os atores não poderiam ser melhores, o pai Henry é interpretado por Ewan McGregor e a mãe Maria é a sempre maravilhosa Naomi Watts. Os atores que fazem os filhos estão muito bem.

Chama a atenção os valores de família que são reforçados com a tragédia. Nesta semana vi um teste em que havia quatro opções para uma mãe escolher a qualidade que gostaria que seu filho pudesse assimilar: solidariedade, iniciativa, moral e disciplina. Difícil e impossível escolha. Maria, a mãe do filme, poderia ficar tranquila o resto de seus dias quanto às qualidades do filho Lucas. Solidariedade  foi a qualidade que o  menino desenvolveu em meio da tragédia.  Qualquer mãe ficaria orgulhosa ao ver a mudança no comportamento filho, preocupado em ajudar os desgarrados a encontrarem seus familiares. Momentos de cumplicidade entre mãe e filho, humanização do personagem e solidariedade são os grandes momentos do filme. Não Perca. 



A filha do pai

Marcel Pagnol é um escritor, dramaturgo e cineasta francês que nasceu em 1895 e faleceu em 1974. Os filmes Le Chateau de ma Mère e La Gloire de mon Père são alguns de seus romances mais conhecidos levados ao cinema, onde o autor conta suas próprias experiências de vida. A visão de mundo de Marcel Pagnol é de uma doçura e beleza sem precedentes. La Fille du Puisatier é mais um filme baseado em sua obra. Aliás é a refilmagem do mesmo, realizada pelo próprio Marcel Pagnol, em 1940, com Fernandel, Jossette Day e Raymund Pascal. A versão de 2012 é belíssima, dirigida e interpretada por Daniel Auteuil, um dos grandes atores franceses da atualidade. Essa visão de um mundo belo acima de tudo, vem desde Agnès Varda com Le Bonheur até Les plages d'Agnès, passa por Le Chateau de Ma Mère e La Gloire de Mon Père como uma sequência de histórias contadas de maneira perfeita e sonhadora. A reconstituição de época, da casa do poceiro, na região da Provence mostra a verdadeira beleza das paisagens do sul da França. Antes de tudo é preciso ver o filme como uma história que acontece há 67 anos atrás, mais ou menos e quando a mentalidade das pessoas era outra. Na época, ninguém sequer sonhava em aceitar um romance homo ou uma família homossexual, como acontece hoje. Você já pensou como ficaria sua avó, que teria hoje uns 130 anos ou sua mãe que teria uns 100 se as duas estivessem vivas e decidissem mudar as cabeças para tentar aceitar sem preconceitos o mundo dos novos tempos? Com as novas formas de família que passam longe da família nuclear com pai, mãe e filhos? Seria uma dura luta podem crer! Na história do poceiro Pascal Amoretti, o fato da filha ficar grávida, sem marido e sem esperanças foi o que bastou para ele considerá-la perdida e ter que expulsá-la de casa. Pascal Amoretti (Daniel Auteuil) vive com as cinco filhas, das quais Patricia (Astrid Bergès Frisbey) viveu e foi educada em Paris, mas voltou ao lar paterno e cuida das menores. Naquela época os pais ainda tentavam acertar o casamento das filhas. Pascal aceita as propostas de matrimônio de Félipe Rampert ( Kad Merad) seu companheiro de trabalho. Falta o amém de Patricia, que não vem. Ela está completamente perturbada com o encontro que teve com aquele jovem lindo que levantou-a nos braços para atravessar o riacho. Deixou-a tonta. Daniel Auteuil consegue recriar a intensidade dos sonhos e desejos da adolescência e tirar o máximo de sua atriz Astrid. Patricia é linda e parece mesmo irremediavelmente apaixonada. As mães não cansam de prevenir as filhas, imagine as mães dos anos 40! Mas Patricia foi criada pelo pai, e Pascal não consegue se abrir com a filha. Alguma mãe conseguiu falar sobre sexo com sua filha que eu saiba? Quando as mães se esforçam para enfrentar o problema, correm o risco de ser ignoradas... As filhas não querem ou não conseguem falar... E Pascal não tinha a menor condição de tratar do tema. Assim, Patricia aceita "ir sozinha" no "escritório"! de Jacques Mazel, o aviador que a deixava muda e cheia de desejos. Patricia não tinha como resistir...Daniel Auteil não deixa no ar, Jacques era mesmo um machinho aproveitador e bon vivant, incentivado por pai e mãe e pela sociedade machista da época. Ponto a favor do moço, quando foi repentinamente para a Guerra deixou uma carta para Patricia. Assim estava escrito, Patricia engravida, Pascal considera sua filha uma perdida, e os Mazel riem na cara dos Amoretti. Suprema amargura, as mulheres dos anos 40 não tinham conquistado liberdade - que nem os romanos - as famílias se preocupavam com os disque-disque e com a vida dos outros. E aquele papo da minha irmã gêmea que não cansa de falar contra o preconceito que temos contra nós mesmos, repetindo: "Olha aí ó, não cometemos, não cometeste nenhum crime, não roubaste, não mataste, não tens do que te envergonhar! Segue em frente! Esse papo da gêmea, não funcionava em 1945, dá para entender? Mas eis que a vinda de uma criança é capaz de mudar as  mentalidades. Acredito nisso piamente. O velho Pascal apaixona-se pelo neto. Os Mazel que acreditavam na morte do filho, pedem por favor para ver a única coisa que lhes resta, o bebê que ainda se chama Jacques! Tem gente que acha a história piegas. Não é, acredito que só viver já é o suficiente para evoluirmos e mudarmos nossa forma de pensar. Assim, as duas famílias os Amoretti e os Mazel viveram sofreram muito e tiveram a coragem de seguir em frente em busca da felicidade. Se o jovem Jacques Mazel ainda é uma dúvida não importa, o futuro a Deus pertence. Embora pareça não é um clichê. Não esqueçam de conferir o personagem de Félipe Rambert, alguém de bem com a vida.